El Peine del viento et la Victoire de Samothrace (Chillida et la sculpture grecque)

Une partie, un fragment (une mutilation) qui finit par incarner une totalité, devient un tout, œuvre à part entière. La main de la Victoire de Samothrace. Une hypothèse lyrique personnelle sur la genèse du Peine del viento (Peigne du vent) d’Eduardo Chillida, qui s’est dessinée dans mon esprit lors de la lecture d’une conversation entre l’artiste et Martin de Ugalde. Une main qui caresse le vent, comme un peigne, et effleure la mer.

EC. : (…) Un jour, soudainement, que j’arrivais au Louvre et je passais par les salles égyptiennes afin de monter ensuite à celles dédiées à la peinture par les escaliers où est la Victoire de Samothrace, je me trouvais vers les salles à droite où se trouvent les fresques de la Renaissance et, en passant, je suis tombé tout d’un coup sur une vitrine dans laquelle il y avait une main mutilée qui venait d’apparaître, que je n’avais jamais vu parce que c’était une pièce nouvelle, là-bas ils disaient qu’elle avait été découverte récemment et qu’on croyait qu’elle appartenait à la Victoire de Samothrace… Je suis resté paralysé, parce que ça c’était la Grèce, n’est-ce pas ? C’était une rencontre inattendue avec la Grèce et en plus les mains m’intéressent beaucoup, comme tu sais, je dessine beaucoup la main ; ainsi, je me rendis compte, en ce moment, que la Grèce n’était plus dangereuse, comme elle l’avait été pour moi, qu’elle n’avait plus ce pouvoir, dans le mauvais sens du terme, sur moi, de me dérouter, parce que j’étais très consolidé dans ma ligne fondamentale… Je me rendis compte de ça quand je vis cette main et j’eus en plus l’impression que le grec pouvait en cette étape, à la place de me soustraire, m’apporter des choses…

MdU : Seulement à travers de cette main.

EC : Seulement à travers de cette main. Ensuite, je retournais à l’hôtel, je rencontrais Pili (sa femme n.d.t) et je lui dis : hé, j’ai vu ça, viens voir cette merveille… (extrait de Hablando con Chillida de Martin de Ugalde, la traduction est la mienne).

Una parte, un frammento (una mutilazione) che finisce per incarnare una totalità, diventa un tutto, opera a sè. Un’ipotesi lirica personale sulla genesi del Peine del viento (Pettine del vento) di Eduardo Chillida che si è disegnata nella mia mente durante la lettura di una conversazione tra l’autore e Martin de Ugalde. Una mano che accarezza il vento, come un pettine, e sfiora il mare.

EC: (…) Un giorno, all’improvviso, arrivavo al Louvre e passavo per le sale egiziane per salire poi a quelle della pittura per le scale dove c’è la Vittoria di Samotracia, mi misi verso le sale a destra, dove si trovano gli affreschi del Rinascimento e, passando, mi sono imbattuto in una vetrina in cui c’era mano mutilata, appena apparsa, che non avevo mai visto perché era un reperto nuovo, lì dicevano che era stata scoperta recentemente e che credevano fosse della Vittoria di Samotracia… Rimasi paralizzato, perché questo era la Grecia, no? Era un incontro inatteso con la Grecia e, per di più, le mani mi interessano molto, come sai, disegno molto la mano; così, mi resi conto, in quel momento, che la Grecia non mi era più pericolosa, come lo era stata, che non aveva più potere su di me, nel senso cattivo della parola, di farmi deviare, perché ero consolidato sulla mia linea fondamentale… Mi resi conto di questo quando vidi questa mano ed ebbi l’impressione che il greco in questa tappa poteva non più sottrarmi ma apportarmi delle cose…

MdU: Solo attraverso questa mano.

EC: Solamente attraverso questa mano. In seguito, sono tornato all’hotel, vi incontrai Pili (sua moglie n.d.t) e le dissi: hey, ho visto questo, vieni a vedere questa meraviglia… (estratto da Hablando con Chillida di Martin de Ugalde, traduzione mia).

Le quattro volte di Michelangelo Frammartino

Le quattro volte di Michelangelo Frammartino, Italia-Svizzera-Germania, 2010 (1h28) > sortie en France le 29 décembre 2010

Un film senza dialoghi: le cose prendono il sopravvento con il loro linguaggio, la loro vita, il loro soffio, la loro voce impercettibile, si impongono come protagoniste: il predominio storico dell’uomo annullato, la sua presenza ritrova una giusta misura. Cosa tra le cose in una storia millenaria di capre, di alberi, di carbone. Armonia, equilibrio idilliaco della Calabria animista/pitagorica, come l’ha definita Michelangelo Frammartino. Poesia in immagini che fa a meno delle parole. Leggerezza priva di retorica che non è mai naïveté ma una spiritualità profonda, uno sguardo (un linguaggio) capace di creare una narrazione (un artificio) che si fonda sul ritmo, la cadenza della natura. Che si misura sul passo di un pastore, sul suo andare e venire per le montagne giorno dopo giorno, il lento avanzare di un gregge, il fruscio degli alberi, lo scorrere delle nuvole, il rumore cadenzato delle pale dei carbonai: una narrazione capace di far vibrare lo spettatore allo spettacolo della lentezza, della ciclicità della natura, della vita e della morte. E quando l’artificio si fa naturale, si chiama grazia (o sprezzatura), la qualità per eccellenza dell’arte (e non solo).

Un film sans dialogues : les choses prennent le dessus avec leur langage, leur vie, leur souffle, leur voix imperceptible, elles s’imposent comme les protagonistes : la prédominance historique de l’homme est annulée, sa présence retrouve la juste mesure. Chose parmi les choses dans une histoire millénaire de chèvres, d’arbres, de charbon. Harmonie, équilibre idyllique de la Calabre animiste/pythagorique, selon la définition de Michelangelo Frammartino. Poésie en images qui se passe des mots. Légèreté sans rhétorique qui n’est pas de la naïveté mais une spiritualité profonde, un regard (un langage) capable de créer une narration (un artifice) qui se fond avec le rythme, la cadence de la nature. Qui se mesure sur le pas d’un berger, son aller et son revenir par les montagnes tous les jours jour après jour, l’avancement nonchalant d’un troupeau, le bruissement des arbres, le défilement des nuages, le bruit saccadé des pelles des charbonniers : une narration capable de faire vibrer le spectateur face à la lenteur, au spectacle cyclique de la nature, de la vie et de la mort. Et quand l’artifice se fait naturel, il s’appelle grâce (ou sprezzatura), la qualité par excellence de l’art (et pas seulement).

>> Une Gradiva demi-mondaine (accompagnée par une Nandina et une très mondaine Zazie) à l’avant-première du film en présence du réalisateur, le mardi 7 décembre au Centre Pompidou, soirée organisée par Les Films du Losange en partenariat avec les Inrockuptibles.

Art et révolution. Fresh Hell, carte blanche à Adam McEwen au Palais de Tokyo

La complexité de FRESH HELL – la création face à l’histoire – tissée par Adam McEwen :

L’exposition FRESH HELL plonge dans l’histoire, proche ou lointaine, mais n’opère pas à coup de sonde verticale. Elle brosse des mouvements latéraux et organiques, génère nombre de paradoxes et la fraîcheur qu’elle apporte est constamment balayée par le souffle des revenants.

Les têtes des rois jadis sur la façade de Notre-Dame, décapités par les révolutionnaires, sont face à une œuvre de Rudolf Stingel (Untitled, 2002) que les visiteurs sont invités à égratigner, un geste violent, insolent – révolutionnaire – à la base de la création. La création passe par la destruction ?

La complessità di FRESH HELL – la creazione di fronte alla storia – intessuta da Adam McEwen:

L’esposizione FRESH HELL s’immerge nella storia, vicina o lontana, ma non opera con uno scandaglio verticale. Spazzola movimenti laterali e organici, genera numerosi paradossi e la freschezza che apporta è costantemente spazzata dal soffio dei revenants.

Le teste dei re una volta sulla facciata di Notre-Dame, decapitate dai rivoluzionari, stanno di fronte ad un’opera di Rudolf Stingel (Untitled, 2002)che i visitatori sono invitati a graffiare, un gesto violento, insolente, dissacratore – rivoluzionario – alla base della creazione. La creazione passa attraverso la distruzione?

Fresh Hell, Carte Blanche à Adam McEwen au Palais de Tokyo du 19 octobre 2010 au 16 janvier 2011

Momtomb, une œuvre de Wolfgang Natlacen

© momtomb / wolfgang natlacen

© momtomb / baptiste massé

Primo episodio di (spero) una serie di fecondi incontri con artisti e opere e di piacevoli scoperte: Wolfgang Natlacen e il suo progetto Momtomb. Una riflessione sulla morte – ironica e sottile – che apre una frattura all’interno dei tabù di una società occidentale sterilizzata, anestetizzata, falsamente patinata, in cui la morte (la sua idea, la sua immagine, il suo corpo) viene ciecamente respinta al di fuori, rigettata, negata con un moto di orrore. Madre e morte, riflessione che si incrocia con il lavoro di Sophie Calle recentemente esposto a Parigi, al Palais de Tokyo. Un progetto monumentale, minimalista e concettuale, ludico al tempo stesso.

Wolfgang Natlacen, il percorso.

Sono un artista visivo italo-francese d’origini slave, nato a Parigi nel 1982 da padre fiumano e madre francese. Il mio percorso artistico comincia dalla fotografia e si declina tra scultura, web art e arte concettuale, rivisitando in maniera ironica i riti, i tabù e le convenzioni della società occidentale. Vivo e lavoro tra Parigi e Milano.

Il progetto Momtomb.

Momtomb è la mia ultima opera. È un intreccio di storie attorno all’idea della tomba della mamma. Progetto al tempo stesso artistico, intimo e familiare, è una riflessione sulla relazione originaria che esiste tra l’opera d’arte creata dai vivi e il tributo ai morti.

Influenzato dai riti funerari filippini, ho concepito una tomba dove i visitatori, uno di fronte all’altro da ogni lato, possono riunirsi, sedersi e pranzare su una panca di pietra, orlo circolare scolpito nella pietra calcarea. In omaggio al defunto, la tomba diventa pic-nic e il banchetto, funerario. Di aspetto minimalista e arcaico, primitivo o protostorico, nel cimitero di Mons, vicino Parigi, Momtomb si vuole pratica per il raccoglimento e dunque accogliente per i vivi. Anni fa David Bowie diceva : “Non bisogna lasciare la propria morte in un angolo”. E su una tavola?”

Premier épisode d’une série (j’espère) de rencontres fécondes avec d’artistes et d’œuvres et d’agréables découvertes : Wolfgang Natlacen et son projet Momtomb. Une réflexion sur la mort – ironique et subtile – qui ouvre une fracture au sein des tabous d’une société occidentale stérilisée, anesthésiée, faussement patinée, où la mort (son idée, son image, son corps) est aveuglement repoussée au dehors, rejetée, niée avec un motus d’horreur. Mère et mort, réflexion qui se croise avec le travail de Sophie Calle récemment exposé à Paris au Palais de Tokyo. Un projet monumental, minimaliste et conceptuel, ludique en même temps.

Wolfgang Natlacen, son parcours.

Je suis un artiste visuel italo-français d’origine slave, né à Paris en 1982 de père istrien (de Fiume, aujourd’hui Rijeka) et mère française. Mon parcours artistique commence par la photographie et se déploie entre la sculpture, le web art et l’art conceptuel, où je revisite de façon ironique les rites, les tabous, les conventions de la société occidentale. Je vis et travaille entre Paris et Milan.

Le projet Momtomb.

Momtomb est ma dernière œuvre. Il s’agit d’un croisement d’histoires autour de l’idée du tombeau de la mère. C’est un projet en même temps artistique, intime et familial, une réflexion sur la relation primaire qui existe entre l’œuvre d’art créée par les vivants et l’hommage aux morts.

Influencé par les rites funéraires pratiqués aux Philippines, j’ai conçu un tombeau où les visiteurs – un de chaque côté, chacun face à l’autre – peuvent se réunir, s’asseoir et déjeuner sur une banquette en pierre, aux bords circulaires sculptés dans la pierre calcaire. En hommage au défunt, le tombeau se transforme en lieu de pique-nique et en banquet funéraire. D’aspect minimaliste et archaïque, primitif et proto-historique, situé dans le cimetière de Mons aux abords de Paris, Momtomb se veut pratique pour le recueillement et donc accueillant pour les vivants. Il y a des années David Bowie disait : « Il ne faut pas laisser sa propre mort dans un coin ». Et sur une table ?

http://www.momtomb.com