L’art est dans le changement, l’évolution, l’art n’est pas dogmatique. Approche non dogmatique : utiliser un médium nouveau, snobé par la critique, plutôt associé à des produits culturels considérés par convention de « bas niveau », et en prouver la résistance, le charger de sens, en exploiter les possibilités. On se retrouve ainsi avec des lunettes 3D sur le nez - posture pop - émerveillés, plongés dans la beauté déchirante des mouvements, des lignes, de corps en mouvement, dessinés par Pina Bausch.
L’art plie et apprivoise le médium.
L’arte è nel cambiamento, l’evoluzione, l’arte non è dogmatica. Approccio non dogmatico: utilizzare un medium nuovo, snobbato dalla critica, piuttosto associato a dei prodotti culturali considerati per convenzione di “basso livello” e provarne la resistenza, caricarlo di senso, sfruttarne le possibilità. Ci si ritrova così con degli occhiali 3D sul naso - postura pop - meravigliati, immersi nella bellezza straziante dei movimenti, delle linee, di corpi in movimento, disegnati da Pina Bausch.
Waste Land, un film de Lucy Walker, 2010 (Grande Brétagne-Brésil) avec Vik Muniz, les catadores du Jardim Gramacho de Rio de Janeiro et la musique de Moby
Waste Land est un documentaire : Lucy Walker a suivi l’artiste brésilien Vik Muniz pendant trois ans, au cours de son projet dans le Jardim Gramacho, la décharge de Rio de Janeiro, sa ville natale, avec les catadores, les travailleurs qui trient les matériaux recyclables en fouillant dans les montagnes d’ordures. Vik Muniz, l’artiste qui incorpore des matériaux viles aux œuvres d’art et les transforme en art (en or), part dans la décharge de Jardim Gramacho avec le but de partager avec sa ville la chance qu’il a eu en tant qu’artiste.
Le documentaire montre une réalité dérangeante, la face cachée, malodorante, insane, de la société de la consommation, société de la surproduction d’ordures. Les catadores, sorte de voyants-archéologues, fouilleurs de l’intimité la plus dégoutante de la société, qui savent faire parler les ordures, les interpréter, reconnaître les êtres humains (leur travail, leur vie, leur goûts) par leurs déchets. Dans une société où le trafique de drogue ou la prostitution sont les moyens les plus répandus pour vivre, les catadores font le choix le plus courageux, celui d’un travail digne.
Il y a un aspect subtilement dérangeant dans la mégalomanie de l’artiste qui s’improvise dans le rôle du « sauveur » ; une certaine perplexité vers une démarche artistique qui fait irruption dans une réalité très délicate, rentre dans la vie de gens qui vivent dans un enfer et la bouleverse, en ouvrant une perspective inconnue, inespérée, pour après – une fois le projet terminé et les lumières éteintes – les laisser replonger dans l’horreur de tous les jours. Arrogance ou nécessité de l’action ?
Malgré mes doutes et perplexités envers le « comte à la Cendrillon » de catadores qui deviennent stars d’un jour, le film ouvre un questionnement qui me hante, sur l’art et sa capacité de changer le monde, sur la possibilité d’un art utile. Sur la nécessité de l’art. De l’art comme transformation, transformation dans la matière : la recherche ancestrale de l’homme, toujours actuelle, de transformer la matière en or – l’homme alchimiste – de l’homme Roi Mida, de l’homme créateur, de l’homme comme dieu. Les ordures deviennent art et l’art argent, or. Et l’argent, vile matière, se transforme en une bibliothèque au sein d’une décharge à Rio de Janeiro. L’art peut changer le monde ? De l’art comme transformation dans les esprits : ouvrir les âmes, un art qui apprend à regarder et à se regarder autour. L’art ouvre à une nouvelle vision qui peut se révéler insupportable à certains, insoutenable, ou peut aider à mieux voir pour tracer un nouveau chemin.
Waste Land è un documentario: Lucy Walker ha seguito l’artista brasiliano Vik Muniz durante tre anni, nel corso del suo progetto nel Jardim Gramacho, la discarica di Rio de Janeiro, la sua città natale, con i catadores, i lavoratori che raccolgono i materiali riciclabili scavando tra le montagne di spazzatura. Vik Muniz, l’artista che incorpora i materiali vili alle opere d’arte e li trasforma in arte (in oro), parte per la discarica di Jardim Gramacho con l’obiettivo di condividere con la sua città un po’ della fortuna che ha avuto in quanto artista.
Il documentario mostra una realtà scomoda, il lato nascosto, maleodorante, insano della società del consumo, società della sovrapproduzione di rifiuti. I catadores, sorta di aruspici-archeologi, scavatori dell’intimità più disgustosa della società, che sanno far parlare la spazzatura, interpretarla, riconoscere gli esseri umani (il loro lavoro, la loro vita, i loro gusti) attraverso i loro rifiuti. In una società in cui il traffico di droga o la prostituzione sono i mezzi più diffusi per vivere, i catadores fanno la scelta più coraggiosa, quella di un lavoro degno.
C’è un aspetto sottilmente incomodo nella megalomania dell’artista che si improvvisa nel ruolo del “salvatore”; una certa perplessità verso un procedimento artistico che fa irruzione in una realtà molto delicata, entra nella vita di persone che vivono all’inferno e la sconvolge, aprendo una prospettiva sconosciuta, insperata, per dopo – una volta il progetto terminato e le luci spente – lasciarli ricadere nell’orrore di tutti i giorni. Arroganza o necessità dell’azione?
Malgrado i miei dubbi e le perplessità verso il “racconto alla Cenerentola” di catadores che diventano stars per un giorno, il film apre una questione che mi ossessiona, sull’arte e la sua capacità di cambiare il mondo, sulla possibilità di un’arte utile. Sulla necessità dell’arte. Dell’arte come trasformazione, trasformazione nella materia: la ricerca ancestrale dell’uomo, sempre attuale, di trasformare la materia in oro – l’uomo alchimista – l’uomo Re Mida, l’uomo creatore, l’uomo come dio. I rifiuti diventano arte e l’arte soldi, oro. E i soldi, vile materia, si trasformano in una biblioteca all’interno di una discarica a Rio de Janeiro. L’arte può cambiare il mondo? Dell’arte come trasformazione nelle menti: aprire l’anima, un’arte che impara a guardare e a guardarsi intorno. L’arte apre verso una nuova visione, che può rivelarsi insopportabile per alcuni, insostenibile, o può aiutare a vedere meglio per tracciare un nuovo percorso.
All’Hamburger Bahnhof di Berlino – dopo sale e sale feutrées di Joseph Beuys – la gradita scoperta è stata la mostra-omaggio a Valeska Gert. Artista, ballerina e attrice berlinese celebre negli anni venti per le sue performances a teatro e al cinema, in opere espressioniste e dada. Performer avant la lettre, ebrea, costretta a partire nel 1938 a causa dell’ascesa del nazional-socialismo, ritornata in Germania alla fine degli anni quaranta, caduta nell’oblio, ha incrociato vita e carriera di Eisenstein, Oskar Kokoschka, Pabst, Tennessee Williams, Jackson Pollock, Federico Fellini, Werner Herzog, Klaus Kinski. Sul video la sua presenza è potente, rivoluzionaria e conturbante, cattura lo spettatore con una forza quasi ipnotica. Androgina, estranea ad ogni categoria o genere, creatura aliena, cangiante, espressione e grazia pura, dura, attraente e repellente al tempo stesso.
À l’Hamburger Bahnhofde Berlin – après des salles et des salles feutrées de Joseph Beuys – quelle agréable surprise l’exposition-hommage à Valeska Gert, danseuse et actrice berlinoise célèbre dans les années vingt pour ses performances à théâtre et au cinéma, dans des œuvres expressionnistes et dada. Performeuse avant la lettre, juive, contrainte à partir en 1938 à cause de la montée du national-socialisme, revenue en Allemagne à la fin des années quarante, oubliée, elle a croisé la vie et la carrière de Eisenstein, Oskar Kokoschka, Pabst, Tennessee Williams, Jackson Pollock, Federico Fellini, Werner Herzog, Klaus Kinski. En vidéo sa présence est puissante, révolutionnaire et troublante, capture le spectateur avec une force presque hypnotique. Androgyne, étrangère à toute catégorie ou genre, créature aliène, changeante, expression et grâce pure, dure, attrayante et repoussante en même temps.
Valeska Gert, Baby, 1969
Valeska Gert in Giulietta degli spiriti, di Federico Fellini (1965) con Giulietta Masina
Le quattro voltedi Michelangelo Frammartino, Italia-Svizzera-Germania, 2010 (1h28) > sortie en France le 29 décembre 2010
Un film senza dialoghi: le cose prendono il sopravvento con il loro linguaggio, la loro vita, il loro soffio, la loro voce impercettibile, si impongono come protagoniste: il predominio storico dell’uomo annullato, la sua presenza ritrova una giusta misura. Cosa tra le cose in una storia millenaria di capre, di alberi, di carbone. Armonia, equilibrio idilliaco della Calabria animista/pitagorica, come l’ha definita Michelangelo Frammartino. Poesia in immagini che fa a meno delle parole. Leggerezza priva di retorica che non è mai naïveté ma una spiritualità profonda, uno sguardo (un linguaggio) capace di creare una narrazione (un artificio) che si fonda sul ritmo, la cadenza della natura. Che si misura sul passo di un pastore, sul suo andare e venire per le montagne giorno dopo giorno, il lento avanzare di un gregge, il fruscio degli alberi, lo scorrere delle nuvole, il rumore cadenzato delle pale dei carbonai: una narrazione capace di far vibrare lo spettatore allo spettacolo della lentezza, della ciclicità della natura, della vita e della morte. E quando l’artificio si fa naturale, si chiama grazia (o sprezzatura), la qualità per eccellenza dell’arte (e non solo).
Un film sans dialogues : les choses prennent le dessus avec leur langage, leur vie, leur souffle, leur voix imperceptible, elles s’imposent comme les protagonistes : la prédominance historique de l’homme est annulée, sa présence retrouve la juste mesure. Chose parmi les choses dans une histoire millénaire de chèvres, d’arbres, de charbon. Harmonie, équilibre idyllique de la Calabre animiste/pythagorique, selon la définition de Michelangelo Frammartino. Poésie en images qui se passe des mots. Légèreté sans rhétorique qui n’est pas de la naïveté mais une spiritualité profonde, un regard (un langage) capable de créer une narration (un artifice) qui se fond avec le rythme, la cadence de la nature. Qui se mesure sur le pas d’un berger, son aller et son revenir par les montagnes tous les jours jour après jour, l’avancement nonchalant d’un troupeau, le bruissement des arbres, le défilement des nuages, le bruit saccadé des pelles des charbonniers : une narration capable de faire vibrer le spectateur face à la lenteur, au spectacle cyclique de la nature, de la vie et de la mort. Et quand l’artifice se fait naturel, il s’appelle grâce (ou sprezzatura), la qualité par excellence de l’art (et pas seulement).
>> Une Gradiva demi-mondaine (accompagnée par une Nandina et une très mondaine Zazie) à l’avant-première du film en présence du réalisateur, le mardi 7 décembre au Centre Pompidou, soirée organisée par Les Films du Losange en partenariat avec les Inrockuptibles.
Touchant, vibrant parcours dans le rise and fall de Jean-Michel Basquiat. Icare de l’art, il a volé, trop près du soleil, jusqu’à bruler ses ailes et chuter dans le vide.
Toccante, vibrante percorso attraverso il rise and fall di Jean-Michel Basquiat. Icaro dell’arte, ha volato, troppo vicino al sole, fino a bruciarsi le ali e cadere nel vuoto.
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